Proyectos

Catlogo de proyectos expositivos disponibles

Sólo desde una amplia experiencia profesional demostrada en asesoramiento, selección y programación de espacios institucionales puede ser posible en estos graves momentos de crisis, mantener en aquellos equipamientos destinados a exposiciones un aprovechamiento idóneo, con garantía de calidad, atractivo, exigente e interesante para un amplio abanico de públicos. Tanto en el caso de exposiciones puntuales como las que se ofrecen, como en el caso de diseño de programación de temporada, se prioriza la especificación de cada caso en todos los aspectos y en especial en el de la adaptación a los presupuestos tan limitados a que las actuales circunstancias obligan a partir de una extremada atención del gasto en todo el proceso de producción.
Para optimizar los recursos disponibles conviene crear una red de co-producción y / o de itinerancia, de hecho algunas de las exposiciones disponibles ya están programadas en algún centro de arte o museo.
La mayoría son inéditas y ofrecen una lectura profunda sobre el autor, lo que asegura una base teórica firme y fundamentada en todos los proyectos. Para todas estas exposiciones disponemos de la colección del propio autor o de su familia y / o de su fundación, sin excluir la posibilidad de solicitar algún préstamo, lo que facilita muy significativamente la producción de las exposiciones ofertadas.
Asimismo se ofrece la solución de proyectos específicos requeridos a medida de la institución solicitante: antológicas-homenaje de artistas locales, coleccionistas, legados, etc.

 

Retrospectivas y antológicas

• Oteiza, metafísica del vacío

Jorge Oteiza (Orio, Gipuzkoa 1908 - San Sebastián 2003) encarnaba todas las facetas del artista total. Fue creador, pensador, filólogo, escritor y poeta además de antropólogo, político y tenaz polemista. Concebía el arte como un proceso de autoconocimiento y desarrollo personal basado en la experimentación. Se planteó la escultura a partir de complejas premisas teóricas que fue desarrollando en sus escritos como una constante indagación válida en sí misma.
Se le considera uno de los maestros internacionales de la abstracción geométrica de registro metafísico, corriente que se inició en el primer tercio del XX por constructivistas como Gabo y Moholy-Nagy.siendo precisamente Oteiza quien reelaboró en los años cincuenta esta tendencia que concibe la escultura como un objeto que, vaciado o despojado de gran parte de la materia que lo constituye, termina definiendo y funcionando como expresión poético-mística de una realidad de orden superior. A pesar de situarse cerca de la práctica neoplasticista y suprematista, sus obras muestran una de las constantes de la trayectoria de su autor: la voluntad de preservar el contenido metafísico en contraposición al logicismo puro. La exposición recoge las principales series correspondientes a su intensa etapa culminante de finales de los años 50: Desocupación de la esfera, Construcciones vacías, Cajas metafísicas y Maclas. Consiste en una selección de entre 25-45 obras escultóricas acompañadas de bocetos, estudios, fotos e incluso poemas del artista que permitirán ilustrar su proceso creativo, experimental y la evolución formal y conceptual de Oteiza en sus momentos álgidos.

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• Guinovart, pictura in extenso

Josep Guinovart (Barcelona, 1927-2007) es probablemente el pintor que  más lejos ha llevado el informalismo matérico en cuanto a la libertad y la fuerza expresiva. Buena parte de su singularidad radica en el tratamiento y significación que concede al espacio. Sin duda, uno de los aspectos más esenciales de su personalidad artística.
 La exposición analiza la evolución de la concepción espacial del autor a través de los distintos estadios y planteamientos que la configuran. La pasión por la pintura empujó Guinovart a rebasar las fronteras del "cuadro". Más allá del collage, del assemblage, de la incorporación de materias diversas o del uso de todo tipo de soportes físicos, la pintura de Guinovart, sin renunciar a su especificidad esencial, rompe moldes, sobrepasa cualquier límite y se convierte en espacio, libre escenario de la creatividad del maestro..

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• Argimon, materia y fuego.

Hace 15 años que murió Daniel Argimon. El lamentable olvido en que se ha dejado esta insigne generación de artistas catalanes que protagonizaron la segunda vanguardia y que triunfaron en todo el mundo durante los años sesenta y setenta explica (pero no justifica) que Daniel Argimon (1929-1996) no tenga en estos momentos el reconocimiento que por su valía le corresponde. Argimon es sin duda uno de los más innovadores y originales autores matéricos con una trayectoria vital y artística marcada por la honestidad y el compromiso con sus ideales. El fuego es el hilo conductor de la muestra que permite ver cómo evoluciona la relación del autor con este elemento creativo a lo largo de toda su trayectoria desde finales de los 50 hasta su muerte en una progresiva depuración estética y conceptual de este elemento a la vez destructor, purificador y creador.
También se ofrece una antológica  general del artista.

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• Cuixart, materia y signo

Una aproximación analítica e interpretativa a la trayectoria de uno de los más originales y creativos pintores españoles del siglo XX a partir de dos factores fundamentales de su obra. Es el autor que más a fondo hemos tenido ocasión de trabajar con una experiencia de cinco producciones temáticas previas: Cuixart, mitologia de la naturaleza (Mataró, Granada, Almería) Cuixart, paisajes enigmáticos (Torre Vella, Salou); Cuixart elogio de la geometria ( Palafrugell y, Tarragona), Cuixart ahora (Barcelona), Cuixart, mágico y surreal (Cadaqués); con los catálogos correspondientes y un libro maquetado para su edición  .
 

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• Joan Ponç y el surrealismo mágico

 
La obra del componente de Dau al Set que se mantuvo siempre fiel al espíritu mágico que lo inspiró a él y al célebre grupo vanguardista. Introspectivo, independiente y siempre a contracorriente, las raíces de su iconografía fantasmagórica se remontan a pintores como El Bosco, pero su extraño universo poblado de seres imaginarios y su prodigioso grafismo tuvieron gran influencia posterior en artistas como Zush-Evru.

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• Gustavo de Maeztu 1887-1947

 

Este artista era el hermano pequeño de Ramiro de Maeztu y de María, directora de la sección femenina de la célebre Residencia de estudiantes e íntima amiga de Lorca. La exposición (que cuenta con la colaboración del Museo Gustavo de Maeztu de Estella, Navarra) se adentra en el contexto histórico del personaje dentro de la pintura vasca (Zuloaga, Solana) y otras influencias (Anglada Camarasa ...) . La evolución de su potente y decorativa obra pictórica del casticismo y la alegoría al cosmopolitismo (París y Londres, la alta sociedad y los burdeles), en paralelo a su obra literaria y poética, las tipologías humanas , el paisaje, los retratos, todo un soberbio y atrayente reflejo de una sociedad y de un tiempo.

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Autores vivos

• Tom Carr “off sculpture” 

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Peso, volumen, permanencia, inmovilidad, solidez, materia, textura … son conceptos ligados a lo que entendemos tradicionalmente por escultura. Pero la obra de Tom Carr, autor de reconocido prestigio internacional, supone la negación de todo ello. Su obra ensalza el equilibrio inestable, lo ingrávido, lo etéreo, lo inmaterial, lo frágil, lo transparente; se desplaza, interactúa  con el espacio, transforma ámbitos, sugiere entornos y crea sensaciones visuales efímeras. Para ello se vale de recursos extrínsecos como el movimiento o la luz, el color, el signo, el trazo y la caligrafía espacial, la forma virtual. La exposición plantea el análisis de los factores de su obra con mayor incidencia en ese concepto a-escultórico. Se está preparando una itinerante de gran formato que cuenta ya con dos sedes.

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• Adserà Riba. Grabado monumental y de experimentación

 

Desde que ya en el 60, en las primeras estancias en Holanda tiene ocasión de iniciarse en el mundo del grabado, Enrique Adserà Riba encuentra una vía de expresión fundamental en esta difícil disciplina, tan arraigada en la historia del arte en los Países Bajos donde reside, desde la cual comprometerse con la contemporaneidad y la vanguardia haciendo sus propias aportaciones. A partir de 1966 en su primera serie experimental contenedores y embalajes industriales de desecho constituirán los ejes de su temática dispuestos en series rítmicas y haciendo juegos geométricos de impacto visual, pero es a partir de los años ochenta cuando emprende sus atrevidos proyectos de grabado monumental, impresionantes instalaciones de gran formato que rompen moldes en la historia de la gráfica y que expuestas en las bienales "Grafiek Nu" del Singer Museum de Laren sorprenden la crítica más prestigiosa que lo destacó como uno de los artistas gráficos más importantes del nuestro tiempo. La exposición reúne un abanico paradigmático de grabado experimental además de las monumentales obras Mosaico y Cubi. Precisa unos 4 m. de altura de techo.

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• Niebla, retrospectiva africana.

 

El último libro que escribió la crítica M ª Lluisa Borrás y que iba a presentar en la Fundación Miró pocos días después de su muerte, está dedicado a Josep Niebla. En los últimos años, este artista e impenitente viajero se ha dejado hechizar por los colores de África, sus paisajes, sus realidades y problemáticas y ha plasmado (a menudo en formatos de dimensiones considerables) su visión del continente con una pintura que plasma y denuncia los aspectos más crudos: el hambre, la sequía ... como en la serie Carencias, de una espléndida sobriedad cromática, pero así mismo retrata las raíces más profundas, los modos de vida, la luz y el color, en obras abstractas donde a menudo utiliza el collage y la incorporación de objetos autóctonos en piezas de una cuidada composición y gran potencia expresiva y visual. Un conjunto poco conocido de la trayectoria de Niebla de obras resueltas con el oficio, la fuerza y la creatividad que lo caracterizan pero seleccionadas por su contención formal y solidez de concepto..
 

- Esta exposición cuenta con una subvención por parte de la fundación del artista.

- Requiere un mínimo de 500m. lineales y techos altos

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• Pla-Narbona, el prodigio de la línea. Dibujos y grabados.

 

Pionero del diseño gráfico en España, renovador del grafismo publicitario en Cataluña que eleva a categoría internacional, paralelamente a toda su reconocida labor en este campo ha desarrollado una obra subterránea reflejo directo de su atormentada personalidad, de sus conflictos interiores. La ilustración del propio hecho vital, de los fantasmas personales, la problemática humana de la soledad y la incomunicación interpersonal en la "sociedad de la comunicación" expresados a través de un insólito universo iconográfico y un prodigioso dominio de la línea.

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• Xaus, la furia del gesto. Retrospectiva de un pintor combativo.

 

A lo largo de toda su trayectoria la pintura ha sido para Antoni Xaus (Barcelona, 1932) una herramienta de expresión ineludible que ha trabajado con pasión y vehemencia absoluta. Su gestualidad salvaje surge del alma pero también de las vísceras por ello, es más beligerante y combativa, radicalmente contraria a las corrientes frías y asépticas que han primado en el arte contemporáneo de las últimas décadas, lo podemos asociar en cambio con el expresionismo del movimiento Cobra, y autores como Appel o Lindström.

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• Beneyto, la poética de lo excéntrico.

 

El mundo onírico de un autor poliédrico, Antonio Beneyto (Albacete, 1934) que ha cultivado la poesía, ya partir de ella con surreal originalidad la pintura, el dibujo, la escultura .... Todo un fascinante abanico de obras de las más variadas disciplinas que muestran una gran coherencia de pensamiento y de lenguaje plástico, una aguda y perspicaz capacidad de análisis de la realidad y de la irrealidad heredera del más auténtico y profundo surrealismo, como corresponde a quien fue uno de los creadores del movimiento postista. Empezó su carrera artística a mediados de los sesenta en Palma de Mallorca, en torno a Papeles de Son Armadans, Donde conoció a Robert Graves, Cela, A. F. Molina y Cristóbal Serra. Se traslada a Barcelona, donde dirigió la colección La Esquina, en la que editaron escritores como Juan E. Cirlot, Joan Brossa, Max Aub, Juan Ramón Jiménez, R. Gómez de la Serna y Carlos E. de Ory. Paralelamente a su colaboración con el mundo editorial ejecuta en su propia obra poética y se introdujo en las artes visuales con sorprendente acierto.

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• Xavier Escribà, Taller en tránsito, pintura inmanente. 

 

 
En este proyecto el artista catalano-francés convierte el espacio expositivo en un ámbito de creación dinámico donde el visitante puede ver y vivir directamente el proceso de manipulación y transformación de la materia, una cita abierta y libre que quiere contribuir a eliminar las barreras entre público y arte contemporáneo. Empujado por un espíritu innato de investigación ligado a su manera de vivir la pintura, Xavier Escribà decidió liberarla de todo lo accesorio. Poco después de acabar los estudios de Bellas Artes en París llegó, mediante una intensa labor experimental a un método de superposición de estratos pictóricos hasta obtener una especie de piel resistente que ofrece infinitas posibilidades de manipulación (doblar, cortar, atar) y que conduce de una manera tan natural como inevitable el volumen y la tridimensionalidad. Sus obras exploran la dualidad entre la fisicidad intrínseca de la pintura y referentes metafóricos ligados a la percepción del entorno o bien a la imaginario personal o colectivo. Escribà despliega así una sugestiva poética picto-biográfica donde contenido y continente se fusionan en un mismo concepto absoluto y esencial de la pintura.

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Colectivas temáticas

Proyectos de fotografía, arte textil, instalaciones, cerámica, joyería contemporánea, grabado ..., disciplinas híbridas, video-instalaciones, montajes video-escenográficos ...
 
Muestras colectivas de carácter temático con autores de reconocida solidez que se pueden replantear como ciclos expositivos para cubrir una temporada completa.
 
(Caso de interesar solicitar dossier del proyecto y / o información adicional)


En estos momento disponemos de:

• Algo más que un soporte.Técnicas mixtas sobre papel en la colección Alcort

 
Saura, Tàpies, Arroyo, Feito, Genovés, Barceló, Roy Lichtenstein, Warhol, Ouka Lele, Abraham Lacalle, Rómulo Royo, Ven Eden… artistas de primerísima línea en el arte actual con obras que tienen como hilo conductor el estar realizadas sobre papel. Un material frágil pero de larguísima tradición y cada vez más apreciado en el arte contemporáneo por su versatilidad a la hora de acometer la hibridación y maridaje de todo tipo de técnicas.

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• "Sum" conflictos de identidad en los aledaños de la fotografía

 

(Programada en espacios institucionales de Navarra y La Rioja 2012 - 2013). El sustrato teórico de la exposición gira en torno a la identidad y sus matices e interrogantes: el yo como asunción propia o el yo como algo extraño y ajeno, la vinculación entre la identidad física y la anímica, la aceptación o identificación con la propia imagen, la proyección en los demás ... En definitiva, toda una serie de reflexiones que a menudo aparecen reflejadas en el arte y el pensamiento contemporáneo y que en este caso se tratarán desde un enfoque no apriorístico ni retórico sino como derivación del trabajo de los autores seleccionados configurando el entramado conceptual de la muestra. Los artistas escogidos, de muy diversas procedencias, llevan un tiempo significativo en su trayectoria trabajando con diversas hibridaciones técnicas sobre soportes no tradicionales que incluyen o que parten de la fotografía que se fundamentan en una evidente solidez técnica y conceptual y coinciden en desarrollar una obra ligada a la problemática de la identidad.

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”En los límites de la pintura” Permeabilidad y transversalidad del concepto "pictórico" en el arte contemporáneo.
Se recomienda como ciclo expositivo de 6-8 autores para una temporada completa de programación, pero puede plantearse como colectiva.

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“Espejismo y materia , representaciones etéreas”, colectiva pluridisciplinar, en fase de producción.

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